Бесплатная консультация консультация
Оставьте свои контакты, мы свяжемся с вами, ответим на все вопросы и расскажем о институте.
Вопросы по обучению?
Close
Задавай вопрос по обучению
Telegram
WhatsApp
VK
Messenger
Mail
Phone
Всегда на связи 24/7
Илья Цветков
интервью
Об обучении в Институте и перспективах
— Как проходит процесс обучения на твоем направлении?
— Довольно просто. Причём он подходит для людей с разным уровнем подготовки, потому что мы последовательно начинаем с азов и всё глубже проникаем в профессию.
— Какие опасности могут подстерегать студентов во время учебы?
— Как правило, для студентов главная опасность — невыполнение домашнего задания и недостаточное количество часов, потраченное на самостоятельную работу. Мы даём огромные объёмы знаний, но их нужно постоянно применять. Что–то послушали — сразу пошли применили. От того, что студенты сразу применяют знания, накапливается опыт. Все знают фразу: «Нужно потратить 10 тысяч часов, чтобы стать профессионалом». Нужно сразу начинать копить эти часы и это вернётся сторицей: к концу обучения такой подход сделает из вас человека, который умеет гораздо больше, чем тот, кто не выполняет домашнее задание. Это наверно самая большая тема, которая может затормозить обучение. Нужно быть готовым к тому, чтобы тратить на это много времени. Обучение обучением, но собственная практика должна быть.
— Что могут делать после твоего курса выпускники?
— Начнём с того, что после окончания курса студенты начинают писать музыку. Её делают даже те, у кого до обучения не было опыта работы с музыкой. У студентов открыты все двери, они могут пойти и начать писать музыку для рекламы, кино; как гостпродюсеры, для стоков, для себя. Можно просто писать музыку и не выпускать, радоваться и получать удовольствие. Я знаю много людей, которые, например, работают юристами, и просто ради своего удовольствия пишут музыку. Можно написать альбом и выпустить его. Мы рассказываем, как заключать договор и работать с лейблами. Очень много возможностей и каждый может выбрать что–то для себя.
— Ты также учишь студентов монтировать видео. Для чего это?
— Любому представителю творческой индустрии нужно портфолио и музыканты не исключение. Если студент может скомпоновать свои работы, наложить какой–то видеоряд, сделать цветокоррекцию, смонтировать и оформить это в самодостаточное портфолио, то это всегда выгодно отличает музыканта среди конкурентов. Кстати, не стоит забывать про наличие сайта–визитки, которую сейчас можно сделать на разных платформах.
Тусить в нужном круге людей, общаться — очень важно. Если просто сидеть, писать «в стол» и никому не показывать — никто об этом не узнает
— Какие есть основные критерия успеха молодого артиста/композитора/саунд дизайнера?
— Само собой должен быть конкурентный продукт, что–то классное и запоминающееся. Умение коммуницировать — это еще одно важное конкурентное преимущество. Тусить в нужном круге людей, общаться — очень важно. Если просто сидеть, писать «в стол» и никому не показывать — никто об этом не узнает. Можно сколько угодно выкладывать на разные музыкальные площадки, это всё равно утонет в бездне композиций, которые выкладывают каждый день. Для того, чтобы смочь продвинуться, нужно уметь коммуницировать. Сходил туда, сходил сюда, нарастил круг знакомств. Об этом я также рассказываю на лекциях.
О процессе создания музыки
— Что для тебя музыка?
— Музыка для меня — это жизнь. Я не могу без музыки. Она постоянно играет в голове, постоянно возникают какие–то мелодии, идеи, мысли. Когда я чувствую, что они могут превратиться во что–то интересное, быстро запускаю программу для написания музыки и делаю набросок. Музыка — это в какой–то степени медитация. Могу просидеть несколько часов кряду только над одним звуком, это может быть бочка, малый барабан или звук какого–то синтезатора. Что–то медитативное в этом точно есть. В процессе работы со звуком я получаю удовольствие. Нужно получать удовольствие от того, что ты делаешь. Это самое главное.
«Расчёска–experience»,
на русский лад — когда у тебя много областей,
в которых ты отлично разбираешься
— Что такое T–shape для тебя и как это помогает в создании музыкальных произведений?
— T–shape experience — это подход к образованию, который проводит параллель с буквой «Т» — по горизонтали много областей, в которых ты немного разбираешься, а по вертикали та область, в которой ты разбираешься больше. После этого возник ещё один вид опыта и знаний — П–shape, то есть две области, в которых ты хорошо разбираешься. Потом возник «расчёска–experience», на русский лад. Это когда у тебя много областей, в которых ты отлично разбираешься. Может, одна чуть больше, но при этом сохраняется и горизонталь. Вот это мой вариант. К нему гораздо дольше идёшь, тратишь много лет. У меня ушли десятки лет на то, чтобы разобраться во всём. Но зато это очень хорошо проявляет себя, когда начинаешь работать на каких–то реальных проектах. Например, когда я пишу музыку или саунд дизайн для какого–нибудь видео, я знаю, как работает продакшн, вся эта кухня, и поэтому лучше взаимодействую с людьми смежных профессий. Конечно, лучше сосредотачиваться на чем–то, но изучать какие–то смежные профессии очень полезно.
— Как заканчивать треки?
— Это очень частый вопрос, который я получаю последние годы. На самом деле нужно просто сказать в композиции все, что хочешь сказать, и остановиться. Если прямо сейчас не знаешь, что с этим делать, отложи на недельку. Послушай через неделю, желательно с листочком бумаги и ручкой, чтобы сразу записать идеи. Я всегда так делаю и это работает. Не стоит торопиться, пусть отлежится недельку. У меня один трек отслеживался 7 лет, и вот, недавно, я его закончил и выпустил.
— Насколько реально выпустить свою композицию на зарубежном лейбле?
— Выпустить свою музыку на лейбле, русском или зарубежном, неважно, более чем реально. Должна быть хорошая и интересная идея, качественно звучащая музыка. Нужно уметь общаться с лейблами, обо всём мы рассказываем в Институте. Ещё важно помнить, что не надо сразу писать топовым лейблам, нужно начинать с небольших и постепенно увеличивать обороты. Я свой первый трек выпустил на каком–то супер маленьком лейбле. Потом наращивается скилл, опыт, ты слышишь отзывы и как твоя музыка играет где–то. Это такой процесс: что–то делаешь, получаешь фидбэк и снова–снова поднимаешься по спирали выше. Всё состоит из маленьких простых пунктов.
Самое главное — желание
— Что бы ты пожелал будущим студентам?
— Я бы хотел, чтобы студенты, которые придут ко мне, понимали, что они хотят учиться, что у них есть время для того, чтобы этим заниматься.
Самое главное — желание.
Each page is counted, but no folio or page number is expressed, or printed, on either display pages or blank pages.
— В каких жанрах ты предпочитаешь работать или стараешься не ограничивать себя рамками?
— Вообще, я не люблю ограничивать себя какими–то жанрами и стараюсь писать совершенно–разную музыку, даже если не умею. Мне всегда интересно учиться. Не умел писать хип–хоп — научился. Даже выпустил небольшой хип–хоп альбомчик. Это помогает. Зачем ограничивать себя? Один стиль влияет на другой. Например, делая хаус музыку я использую какие–нибудь элементы из драм–н–бэйса. Музыки нужно слушать много, даже если она не нравится. Потому что даже из такой музыки можно что–то подчерпнуть. Широта взгляда очень важна. Она влияет на разнообразие собственной музыки. Чем больше знаешь, тем больше можешь применить к своей работе. Музыка становится интереснее, разнообразнее, необычнее и это тоже выделяет среди конкурентов.
— Ты — перфекционист, который сводит один трек по месяцу и доводит каждый звук до «идеального» звучания, или работаешь быстро, чтобы успеть запечатлеть эмоцию?
— У меня оба подхода. Я могу и быстро свести композицию, и оттачивать её звучание в течение долгого периода. В основном, мой опыт позволяет мне на этапе написания произведения сразу же использовать хорошие звуки, которые между собой будут сочетаться. За несколько щелчков я могу перебрать пресеты и выбрать те, которые нормально прозвучат, чтобы побыстрее записать идею. А потому уже можно потратить время и «дотюнить». Правда бывают очень сложные композиции, когда хочется побольше туда нашпиговать, и тогда возникают проблемы: «как это с этим свести?». Тогда приходится тратить много времени, может отказаться от каких–то партий или вообще вырезать и оставить для следующего трека. У меня часто такое бывало, когда слишком много прикольных идей в одной композиции и я откладываю это, и использую в других треках. Я не сильно много трачу времени на оттачивание звука, потому что у меня такой подход, что мастеринг начинается во время подбора звука. Для того, чтобы к этому прийти нужен опыт.
— При написании/сведении/мастеринге трека, есть ли у тебя какой–либо свод правил или ты используешь индивидуальный подход в создании каждого трека?
— Конечно, сведение и мастеринг от трека к треку немного отличаются. В целом есть какие–то одинаковые вещи, но всё равно невозможно применить один присест мастеринга ко всему. Зная какие–то нюансы, благодаря опыту, ты уже знаешь, как это сделать. Сравниваешь с другими композициями, может даже со своими, и всё.
— Начинается ли сведение трека с написания?
— И мастеринг, и сведение начинаются с самого начала написания музыки. Любой пресет, любая бочка или мелодия, любой инструмент — это уже сведение. Если вы работаете с бэндом, то выбор там уже определён. Это уже какие–то инструменты данной группы, будь то саксофон, флейта или гитара. И в этом случае можно настроить инструмент, его звучание, здесь начинается подбор. Если идёт работа с уже записанным бэндом, тогда да, нужно сводить. Но если мы пишем музыку с нуля, то у нас куча возможностей. Почему бы сразу не начать сводить? Сразу выбрать для лидирующего инструмента классный звук, сразу выбрать хорошую бочку, сразу решить все проблемы. И буквально несколькими штрихами уже можно добиться хорошего звучания на начальном этапе, потратив на это минуту–две. Я за такой подход, когда у тебя сразу получается хорошая композиция, которую потом можно быстро и легко довести до ума. Время — самый ценный ресурс.
— Самый частый вопрос сведения ритм–секции: бас и бочка, как ты с ними совладаешь? От чего это зависит?
— Бас и бочку, на самом деле, свести не так сложно. Есть несколько способов, как их подружить, чтобы они работали как часы вместе. Естественно, я рассказываю об этом на лекциях. Для меня это не проблема, и для студентов это перестает быть проблемой. После окончания обучения, все студенты удивляются, насколько проще это становится делать, что их треки становятся плотнее, круто звучать и они теперь могут контролировать этот процесс. Сейчас они уже сами выбирают, какой из методов они применят в следующем треке, потому что они уже сами понимают, что и где работает лучше.
Выбор метода зависит от стилистики, желаемого результата, уровня плотности. Их всего, условно, четыре. Есть разные нюансы. Для понимания я показываю много разных примеров. Живая музыка, хип–хоп, дабстеп — все они обладают разным уровнем плотности и наполнением. Можно, чтобы бас был на октаву выше, чем бочка, и это уже частотное сведение.